|
Культура
и цивилизация
Сегодня мы открываем нашу выставку, которая называется
«Культура и цивилизация». Мы поговорим о том, что такое культура и, что
такое цивилизация, а так же о том, что представляют собой культурные
ценности и почему их нужно охранять и от кого. Выставка посвящена 70-ю со
дня подписания первого международного документа по охране культурных
ценностей, инициатором которого был русский художник Н.К.Рерих. Поэтому этот
документ назвали Пактом Рериха.
Что такое культура?
Слово «культура» очень древнее. Оно состоит из двух частей:
«культ» и «ур». «Культ» – означает почитание и поклонение, «ур» - свет.
Получается, что культура это почитание света (почитание всего возвышенного,
доброго, красивого, прекрасного).
Что такое цивилизация?
Цивилизация – есть обустройство жизни людей: строительство
зданий, сооружений, развитие техники, а так же создание законов, по которым
живёт общество. В течение истории человечества возникали и складывались
различные типы цивилизаций, они отличались друг от друга уровнем
взаимодействия с культурой. Самые древние цивилизации создавались и
развивались вместе с Культурой.
Один из крупнейших и глубоких философов русского зарубежья
Николай Бердяев определял культуру следующим образом: «Культура связана с
культом, она из религиозного культа развивается». Ещё он говорил, что
философская мысль, научное познание, архитектура, живопись, скульптура,
музыка, поэзия, а также мораль содержатся в религиозном культе.
Храм Исиды
Одна из древнейших культур на Земле – это Культура Древнего
Египта. Она зародилась в храме, и первыми её творцами были жрецы.
Перед вами один из древнейших египетских храмов посвящённый
богине Исиде. На столбах видны вырезанные в колонне иероглифы, которые
рассказывают о богах и о жизни фараонов. Жрецы были самыми образованными и
просвещёнными людьми древнего Египта. Они умели писать, считать, хорошо
знали астрономию, математику, медицину, химию и другие науки. Прекрасно
играли на музыкальных инструментах, жрицы пели чудесные гимны богам.
Искусство древнего Египта носило практический характер. Оно
существовало только в храмах и предназначалось для поклонения богам.
Скальные храмы Абу-Симбела
1260 год до н.э.
Религия Древнего Египта способствовала развитию искусства
через строительство храмов, пирамид, которые были украшены скульптурой и
настенной росписью.
Перед нами самый большой из храмов Абу-Симбела вырубленный в
скале. Он посвящён богу солнца, а так же самому фараону Рамсесу II,
построившему этот храм. Высота фасада храма 33 метра (10-этажный дом), а
высота статуй фараона, которые охраняют вход 20 метров. Более мелкие фигуры
представляют детей и жену фараона Нефертари.
Эти храмы простояли 33 столетия и могли исчезнуть (под водой)
с лица земли в XX веке из-за построенной плотины. Однако, благодаря акции
ЮНЕСКО, их удалось спасти. Сначала для защиты статуй от подступающей воды
построили огромный стеклянный дом, а посетителей спускали вниз в стеклянных
сосудах. Но, в конце концов, храмы и статуи были вырезаны из горы и
распилены на транспортабельные блоки и составлены снова в другом месте
неподалёку.
Древние египтяне вкладывали особый смысл и в строительство
простого дома и в строительство пирамид. Они верили, что если человек будет
захоронен в гробнице, то после смерти он сможет продолжить своё
существование. Строители пирамид в свободное время строили себе небольшие
гробницы. В то время было заведено, придя в гости, спросить: «Как там ваша
гробница?»
Небамон на охоте
Роспись на штукатурке. Из Фив. Лондон, Британский музей.
В храмовых сооружениях, а так же в пирамидах можно встретить
хорошо сохранившиеся фрески. Росписи по штукатурке или вырезанные рельефы
рассказывают о повседневной жизни фараона и его людей.
В росписях и рельефах, мастера Др. Египта старались подражать
природе и пытались воссоздать её с помощью магии живописи. Они старались
уловить самое характерное в человеке, в животном или в предмете, чтобы затем
отразить это в рисунке. Всё это нужно было, чтобы обеспечить покойному
загробный мир, чтобы жизнь после смерти для него была полна событий. В
изображении человека существовали определённые правила: лицо в профиль,
плечи и грудь анфас, руки и ноги в профиль, чтобы показать направление
движения.
Эхнатон и Нефертити с детьми
Каждый художник в древнем Египте обязан был владеть
искусством красивого письма, уметь отчётливо и умело вырезать в камне не
только изображения, но и иероглифические символы. Но с освоением всех этих
требований его обучение заканчивалось. От него не ждали ничего другого,
никакой «оригинальности». Поэтому на протяжении более чем трёх тысячелетий
египетское искусство менялось очень мало. Только фараону XVIII династии
Нового царства Эхнатону удалось пошатнуть крепкие основы стиля. Он порвал с
обычаями, освящёнными многовековой традицией. Он отказался от поклонения
множеству богов своего народа и ввёл культ высшего божества, Атона, который
изображался в виде солнечного диска, распространяющего лучи с ладонями на
концах. Изображения, выполненные по его указаниям, потрясали тогдашних
египтян своей новизной. В них не было ничего от суровости прежнего стиля.
Вместо этого мы видим, как Эхнатон и его жена Нефертити ласкают детей под
благословляющими лучами солнца.
«Книга мёртвых»
Папирус. XIX династия. Лондон, Британский музей.
Древние египтяне считали, что земная жизнь лишь краткий миг,
а после смерти их ждёт вечное блаженство. Но вечное счастье ждёт лишь того,
кто очистится от всех грехов.
Посмотрим на древнеегипетский папирусный свиток «Книги
мёртвых». На нём изображена сцена суда бога Осириса над умершим.
Сначала умерший произносит «Исповедь отрицания» перед богами.
В «Исповеди отрицания» перечисляются 42 преступления, и умерший клятвенно
заверяет богов, что ни в одном из них он не виновен:
Я не чинил зла людям.
Я не нанёс ущерба скоту.
Я не совершил греха в месте Истины.
Я не творил дурного.
Я не кощунствовал.
Я не поднимал руку на слабого.
Я не делал мерзкого перед богами…
Я не был причиною недуга.
Я не был причиною слёз.
Я не убивал.
Я не приказывал убивать.
Я никому не причинял страданий.
Я не совершал прелюбодеяния.
Я не сквернословил. (и т.д.)
Назвав все 42 преступления, умерший должен поклясться:
- Я чист, я чист, я чист!
Затем боги приступают к взвешиванию его сердца на весах
Истины. Этот момент мы видим на папирусе. Этот процесс называется
психостасия. Мы видим, как бог Анубис с головой шакала ведёт умершего к
весам. На одну чашу весов кладут сердце человека, на другую – перо богини
истины Маат. Если стрелка весов отклонится, значит, покойный грешен, и боги
вынесут ему обвинительный приговор. Тогда грешное сердце отдадут на съедение
страшной богине Амт (тело - гиппопотама, голова – крокодила). Если же чаша
весов останется в равновесии, покойный может отправиться в Поля Иару (т.е. в
рай).
Из этого видно, что нравственные принципы были заложены в
культуре древних египтян и в дальнейшем мы увидим, что они актуальны для
всех времён и народов.
Др.
Греция
Особое место в истории мира и его культуры принадлежит
Древней Греции, где были заложены основы таких наук как философия, история,
математика, механика, астрономия и география.
Благодаря трудам многих античных мыслителей разрабатывалась
теория государства, появилось понятие гражданина, т.е. свободного человека.
В Древней Элладе сложилось понятие таких духовных ценностей, как гражданская
свобода и гражданский долг, человечность, гармоничность, ответственность.
Греческое искусство стало фундаментом и идеалом для
художественной культуры Запада, передало нам сами формы красоты. Из
огромного художественного наследия, которое оставили нам древние греки мы
рассмотрим самые известные и оригинальные из них.
Афинский Акрополь
Давайте посмотрим на Афинский Акрополь, где в 447 до н. э. по
инициативе государственного деятеля Афин, Перикла, был построен целый
комплекс архитектурных сооружений на месте разрушенных во время войны с
персами храмов. Руководство всеми работами было поручено знаменитому
скульптору Фидию.
Главным божеством города была богиня Афина. И именно ей был
посвящён этот комплекс.
Расположение храмов было задумано так, что здания постепенно
вступали в поле зрения человека идущего по Акрополю. Во время праздника
Великих панафиней, посвящённого богине Афине, процессия горожан проходила
через парадный вход на западном склоне Акрополя (так называемые Пропилеи).
Слева к Пропилеям примыкало здание пинакотеки – картинной галереи, в которой
находились картины-пинаки, принесённые в дар богине Афине, а справа, на
самом уступе скалы, приютился крошечный, очень изящный храм Ники Аптерос
(Бескрылой). Афиняне шутили, что бескрылой богиню именовали, чтобы она не
покинула их. Афиняне, проходя Пропилеи, видели, прежде всего, не фасад
главного храма Акрополя – Парфенона, а огромную статую Афины-Промахос
(Афины-воительницы), блеск её золотого шлема и кончика копья был виден,
издали мореплавателям. Подойдя к ней ближе, они переставали воспринимать эту
огромную статую. Всё внимание обращалось на Парфенон, который как бы
вырастал постепенно справа. И уже у самого Парфенона глазам афинян
открывался прекрасный храм Эрехтейон. И эта смена художественных впечатлений
вызывала восторженные чувства в сердцах афинян и настраивала их на
торжественный лад.
Парфенон
Храм Парфенон был посвящён Афине Парфенос, т. е. –
Афине-Деве. Парфенон, огромный и могучий, стоял на возвышающемся участке
скалы. Фриз храма был украшен сценами сражений, причём каждая сторона храма
была посвящена особой теме: борьбе богов с гигантами, сражению греков с
амазонками, битве греков и троянцев и борьбе лапифов с кентаврами. Все они
прославляли храбрость и непобедимость греков. Внутренний фриз Парфенона был
украшен изображениями совсем не характерными для греческого храма того
времени (V века до н.э.): афиняне, гордые своими победами, процветанием
своего государства, превосходством своей культуры, решились на неслыханную
дерзость – изобразить на храме не только богов и мифологических героев, но и
самих себя, в торжественной, праздничной процессии. На фризе было изображено
торжественное шествие афинян на празднике в честь богини Афины. Треугольные
фронтоны храма были заполнены скульптурой, посвящённой богам. На западном
фронтоне был представлен миф о споре Афины с Посейдоном, а главный восточный
фронтон представлял миф о рождении Афины.
Афина Парфенос
Римская уменьшенная мраморная копия со статуи Фидия. Высота
104 см. Афины, Национальный археологический музей.
Внутри Парфенона стояла колоссальная статуя Афины Парфенос
работы Фидия. К сожалению, она не сохранилась. Основная причина почти
полного исчезновения прославленных античных статуй заключается в том, что с
приходом христианства верующие почитали своим долгом уничтожать языческих
идолов.
Копия, которую мы видим, воссоздаёт очень отдалённое
представление о скульптуре работы Фидия. Но мы должны быть благодарны ей за
то, что она даёт нам хоть какое-то представление о потерянной скульптуре.
Чтобы представить себе, как выглядела скульптура Фидия,
необходимо обратиться к старинным описаниям. Гигантская фигура Афины,
высотой около одиннадцати метров возвышалась, как дерево; её деревянный
каркас был облицован драгоценными материалами: доспехи и украшения были
выполнены из золота, а открытые части тела из слоновой кости. Таким образом,
статуя, особенно щит и одежда, каменные инкрустации глаз, сверкала яркими
всполохами цвета. И грифоны на золотом шлеме, и глаза змеи, свернувшейся за
щитом, наверняка имели вставки из самоцветов. Человека, вошедшего в храм,
представшего перед ликом гигантской богини, охватывал мистический трепет. Из
свидетельств современников видевших статую Фидия мы узнаём, что она несла
людям совершенно иное представление о богах. Афина Фидия была подобна
человеческому существу. Её сила заключалась не столько в магических чарах,
сколько в очаровании красоты. Уже тогда стало ясно, что искусство Фидия дало
народу Греции новое понимание божественности. И очень жаль, что два
величайших творения Фидия - статуя Афины и статуя Зевса в Олимпии –
безвозвратно утрачены.
Эрехтейон
На фоне грандиозного Парфенона изящный Эрехтейон кажется
волшебной игрушкой. На южной стороне храма – знаменитый портик кариатид,
скульптуры Девушек в ниспадающих одеждах, которые выполняют роль колонн,
поддерживающих крышу храма.
Афинский Акрополь представляет собой культурную ценность не
только для греческого народа, но и для всего мира. Но не всегда люди из-за
своего невежества понимают истинную ценность подобных шедевров.
Акрополь в последующие эпохи
В 5 в. Парфенон стал церковью Богоматери, статуя Афины
Парфенос была перевезена в Константинополь. После завоевания Греции турками
(в 15 в.) храм превратили в мечеть, к которой пристроили минареты, затем — в
арсенал; Эрехтейон стал гаремом турецкого паши, храм Ники Аптерос был
разобран, из его блоков сложена стена бастиона. В 1687 после попадания ядра
с венецианского корабля, взрыв уничтожил почти всю центральную часть храма
Афины-Девы, при неудачной попытке венецианцев снять скульптуры Парфенона,
несколько статуй были разбиты. В начале 19 в. англичанин лорд Элгин выломал
ряд метоп, десятки метров фриза и почти все сохранившиеся скульптуры
фронтонов Парфенона, кариатиду — из портика Эрехтейона. Рельефы и скульптуры
храмов Акрополя находятся в Британском музее (Лондон), в Лувре (Париж) и
Музее Акрополя. Остававшиеся под открытым небом скульптуры заменены копиями.
В настоящее время на территории Акрополя ведутся реставрационные работы.
Дискобол
Мраморная римская копия с бронзового оригинала работы Мирона.
Высота 155 см. Рим, Национальный музей.
Не сохранился и такой прославленный шедевр как Дискобол
(метатель диска), созданный современником Фидия, афинским скульптором
Мироном. Несколько дошедших до нас копий Дискобола дают о нём общее
представление. Молодой атлет изображён в момент, предшествующий броску.
Согнувшись, он далеко отнёс руку для размаха. Кажется, что в следующее
мгновение его тело распрямится, как отпущенная пружина, и диск взлетит.
Дельфийский возничий
Деталь. Высота статуи 180 см. Дельфы, археологический музей.
Греческие художники не только придерживались старых традиций
и норм, но и постоянно совершенствовали своё мастерство особенно в передаче
движения. Вокруг храма в Олимпии выстраивались ряды посвящённых богам статуй
атлетов, одержавших победу в соревнованиях. Нам такой обычай может
показаться странным. Как бы ни были популярны наши чемпионы, никому из них
не придёт в голову заказать свой портрет и подарить его церкви в знак
благодарности за победу в последнем матче. Однако спортивные состязания
греков, среди которых самыми знаменитыми были, конечно, Олимпийские игры,
сильно отличались от современных соревнований. Они были тесно связаны с
религиозными верованиями и ритуалами. Их участники, любители и
профессионалы, принадлежали к наиболее влиятельным фамилиям Греции, а
победителя почитали как человека, отмеченного богами и наделённого ими даром
непобедимости. Игры для того и устраивались, чтобы определить, на кого пало
благословение богов; и дабы восславить, увековечить эти проявления
божественной милости, победители заказывали свои статуи самым знаменитым
мастерам.
При раскопках в Олимпии из-под земли извлекли пьедесталы, но
стоявшие на них статуи исчезли. В большинстве своём они были выполнены из
бронзы, и, по-видимому, в Средние века, когда металла не хватало, их
переплавили. Только в Дельфах нашли одну такую статую, фигуру возничего. Его
голова решительно опровергает ходячие представления, вынесенные из
знакомства с копиями. Глаза, сделанные по обычаю того времени из цветных
камней, вовсе не выглядят пустыми и невыразительными, как в мраморных или
даже некоторых бронзовых статуях с утраченными вставками. Волосы, веки и
губы были покрыты лёгкой позолотой, придававшей лицу теплоту и радостное
сияние. Мы не знаем, насколько бронзовый возничий похож на реального. Но,
безусловно, он вызывает у зрителя восхищение своей красотой.
Древний
Рим
Римляне очень многое заимствовали у греков – и культуру и
нравы. Греческое влияние очень широко проявилось в религии. Особенностью
собственных верований римлян было обожествление различных абстрактных
понятий, очень важных для них, таких как: Согласие, Свобода, Равноправие,
Стыдливость, Здоровье, Счастье и много других. Их делали божествами и даже
посвящали им храмы.
Храмы Древнего Рима в период V-I вв. до н. э. напоминали
греческие. Но, несмотря на обилие заимствований, римская архитектура
выработала новую систему строительства благодаря изобретению нового
материала – бетона. Особой гордостью Рима являлись дороги, проложенные по
всей территории государства, и многие из них служат до сих пор. Римские
скульпторы создавали великолепные портреты, поражающие своей точностью и
глубиной проникновения во внутренний мир человека. Особенно много сделали
римляне в области права. Римское право лежит в основе всего современного
права, по крайней мере, Америки и Европы, в том числе и России.
Древний Рим пережил несколько важных этапов в своём
становлении. Был период царского Рима, затем республиканского. На смену ему
пришла эпоха императорского Рима, когда императора обожествляли, ставили его
на уровне бога.
Статуя Августа, из Прима Порта
Мрамор. Около 20 года до н.э.
Статуя императора Августа представляет его торжественным и
помпезным. Август стоит в позе оратора, повелительным жестом обращаясь к
народу. Он полководец, чеканка его бронзового панциря роскошна. На ней
изображён весь мир, а также в образе бога Марса изображён сам император
Август, покоривший мир.
Статуя говорит, что Август божественен, возрождается идея
того, что правитель большого государства не может быть простым человеком.
Однако при этом в образе Августа явно видится идеал совершенного человека,
созданного греками в эпоху Перикла. Чётко проведён знаменитый хиазм
Поликтета (греков) (перекрёстное равновесие сил в изображении стоящей
фигуры: правому поднятому плечу соответствует левое поднятое бедро, плечо и
бедро другой стороны – опущены), благодаря чему статуя кажется особенно
уравновешенной. Одеяние – полководца, но ноги босые – явный признак
греческой «идеальности». Август в это время был уже не молод, но мастер
изображает его в период расцвета. По отзывам современников, здоровьем он не
блистал, но статуя представляет его атлетом. В этом мы замечаем определённую
несовместимость идеала с реальностью. Жизнь своего времени, достаточно
жестокого, Август намеренно облачает в идеальный покров греческой классики.
Задача статуи – показать римскому народу, что правление Августа подобно
правлению Перикла в Греции и принесло в мир новый золотой век. Во многих
отношениях оно действительно могло показаться золотым веком. Решительно
преображался облик Рима. Строилось много прекрасных зданий, и Август, по
собственному признанию, приняв Рим глиняным, оставил его мраморным. В это
время переживали расцвет римская поэзия и проза.
После Августа начинает исчезать идеальность «золотого века».
В центре всего римского сознания стоял сам Рим. Римляне были
абсолютно уверены не только в его вечности, но и в его праве управлять
миром. Всё же остальное было второстепенно.
Этот «эгоизм» постепенно приводит к падению культуры, к
падению нравственности, а в дальнейшем и к падению когда-то Великой Римской
империи. Народ требовал хлеба и зрелищ. И зрелищ не театральных – трагедий и
комедий, которые воспринимались бы умом и сердцем, вызывали бы в людях
переживания и восторг. Народ требовал кровавых боёв гладиаторов. Однажды
произошёл интересный случай. Римляне смотрели в театре комедию, вдруг
вбегает человек и говорит, что начались бои гладиаторов. Внезапно, все
соскочили с мест и понеслись смотреть бои.
Колизей
Характерными памятниками императорского Рима стали
амфитеатры. В 70-80 гг. н. э. был сооружён грандиозный амфитеатр, получивший
название «Колизей». На латыни «Колизей» означает «колоссальный». Он легко
вмещал в себя до 50 тысяч зрителей. Если посмотреть на Колизей снаружи, то
можно увидеть, что он состоит как бы из четырёх этажей. Три первых этажа на
фасаде представляют собой сплошные ряды окон-арок с закруглённым верхом.
На втором и третьем этажах между арками-окнами располагались
скульптура римских воинов. Через арки первого этажа зрители проходили внутрь
Колизея. Четвёртый этаж являлся глухой стеной с редкими окнами. На самом
верху был ряд мачт, на которые натягивали гигантский тент для защиты
зрителей от солнца и непогоды. Тент красился в ярко-жёлтый цвет, поэтому
даже в плохую погоду зрителям казалось, что ярко светит солнце. Амфитеатр
отличался от театра тем, что у него был замкнутый овальный план с рядами
сидений вокруг арены, постепенно повышающихся и окружённых снаружи мощной
кольцевой стеной. Под ареной размещались коридоры, клетки для зверей и
подсобные помещения. Невероятно, но за несколько часов арена амфитеатра
могла стать бассейном-озером, на поверхности которого проводились морские
сражения. Кроме того, хитроумные механизмы могли превратить арену в пустыню
или зеленеющий лес. Неожиданно среди скал и пещер возникали тигры, леопарды
львы и другие хищные звери. А потом гладиаторы начинали охотиться на них.
В настоящее время от Римского Колизея сохранились лишь
развалины арены и полуразрушенные стены.
Во время падения Римской Империи появляется новое религиозное
учение – христианство. Заповеди, которые дал людям Иисус Христос очень
просты:
Не убий,
Не лги,
Не кради,
Не твори ближнему своему зла и т. д.
Эти заповеди не новы. Подобные нравственные нормы были
известны людям ещё в Древнем Египте. Но люди забыли о них, и новая религия
дала толчок к возрождению нравственности и легла в основу средневековой
культуры.
Средневековье
Средневековая культура находилась под сильным влиянием
религии. Жизнь людей была тесно связана с церковью.
Нотр-Дам де Пари
Роза
В средние века городские соборы были местом торжественных
богослужений, здесь оглашались указы и решения городских и церковных
властей. Поэтому соборы стали строить очень большими, чтобы вместить всё
взрослое население города. В качестве примера, мы можем привести знаменитый
готический собор Нотр Дам де Пари. Особенностью готических соборов стала их
устремлённость вверх к небесам. Готические соборы были светлыми и
просторными. Стены внутри собора были не видны из-за потоков света,
льющегося из огромных окон. Поэтому фрески оказались не нужны. Ведущим
элементом декора стал витраж – мозаика из цветного стекла на окнах.
Появились огромные окна, называемые розой, с каменным
рисунчатым переплётом. Диаметр Розы Нотр Дама составляет 13 метров.
Возрождение
В XV – XVI веках, на смену средневековому сознанию приходит
новое мышление, когда происходит совершенно иное восприятие Бога и человека.
Если в Средние века говорили о презрении к миру, земной
суете, а человек признавался лишь малым элементом Божьего замысла, то теперь
мерой всех вещей стал признаваться человек: одновременно во всём своём
величии и слабости.
Это была величайшая культурная и историческая эпоха,
основанная на новых открытиях в науке и искусстве, а также на возрождении
классической древности. И называлась она эпохой Возрождения. Родиной
Возрождения была Италия. Искусство эпохи Возрождения возникло на основе
гуманизма (humanus – от лат. – человеческий). Образованные передовые люди
называли себя гуманистами, потому что их воодушевляло сознание огромных
созидательных творческих сил, заложенных в человеке. Гуманистическая
культура утверждала торжество разума и просвещения.
Джотто «Поцелуй Иуды»
Одним из зачинателей новой эпохи, эпохи Возрождения, является
величайший итальянский художник Джотто ди Бондоне. Джотто был человеком
ярким, разносторонне одарённым – он занимался живописью, архитектурой,
пробовал свои силы в скульптуре, в поэзии. С творчеством Джотто люди эпохи
Возрождения связывали решительный переворот в итальянской живописи, начало
нового искусства, которое порвало с догмами средневековья, поставило
человека, а не бога в центр творчества. Среди сохранившихся произведений
Джотто лучшим является цикл фресок в капелле дель Арена в Падуе (между 1304
и 1306). Стремясь к зрительной достоверности изображения, Джотто открыл
незнакомые средневековой живописи пространственность, перспективу,
светотень. Одной из лучших фресок падуанского цикла по праву считается
«Поцелуй Иуды».
Художник изобразил толпу людей, которые плотным кольцом
окружают Христа и Иуду. Иуда обнимает своего учителя – это условный знак, по
которому римские воины узнают Христа в толпе и хватают его.
Сопоставление лиц Иуды и Христа потрясает драматизмом. Иуда
тянется к Христу губами. Но смотрит не в глаза Христа, а поверх них, в его
сияющий белизной лоб. И в ответ устремляется взгляд Христа – твёрдый
спокойный. Он знает о совершающемся предательстве, но путь его выбран и
предрешён. Евангельские события художник наполняет психологическим и
драматическим содержанием земной человеческой жизни, деталями быта – будь то
люди, их взаимоотношения с друг другом, будь то пейзаж или архитектура.
Леонардо да Винчи «Чечилия Галлерани»
Мастера эпохи Возрождения были универсальны – они владели
несколькими профессиями.
Одним из виднейших представителей искусства и науки эпохи
Возрождения был Леонардо да Винчи. Он был не только великим художником, но и
выдающимся, мыслителем, писателем, учёным и инженером. Природа щедро одарила
его красотой и редкой физической силой, музыкальностью и прекрасным голосом,
обходительным характером и исключительной яркостью ума. Он многое знал и
многое умел.
Поскольку в эпоху Возрождения личности человека уделялось
больше внимания, в искусстве важное место стал занимать живописный портрет.
Перед вами портрет Чечилии Галлерани работы Леонардо да Винчи. Чечилия
Галлерани была женщиной красивой и остроумной и образованной, любила поэзию,
философию и живопись. Она была очень влиятельной фигурой при итальянском
дворе. Чечилия оказывала покровительство Леонардо, и он написал её портрет,
ставший знаменитым. Строгая причёска подчёркивает правильные черты лица и
выразительные глаза. Белый горностай на её руках – символ чистоты и
добродетели.
Микеланджело Буонарроти «Пьета Бандини»
1550-1555, Флоренция.
Ещё одним выдающимся мастером эпохи Возрождения был
Микеланджело Буонарроти. Он также был универсальным человеком: величайшим
скульптором, живописцем, архитектором и поэтом.
В отличие от Средних веков, когда статуя была связана с
архитектурой, ставилась в нише храма и нуждалась в опоре, скульптура
Возрождения стала самостоятельной. Появились свободно стоящая статуя,
памятник современнику, скульптурный портрет. Микеланджело создаёт целую
серию скульптурных работ на тему «Оплакивания». Перед вами одна из этих
работ, которая называется «Пьета Бондини». Пьета или Пиета (от итал. Pieta –
милосердие), в изобразительном искусстве сцена оплакивания Христа
Богоматерью.
В центре композиции находится фигура Христа, которого только
что сняли с креста. Его тело поддерживают Богоматерь, ученик Никодим и
молодая женщина. В облике Никодима можно узнать черты самого Микеланджело.
По его замыслу, эта скульптура, должна была украшать его собственное
захоронение. Но этого не случилось. Скульптура осталась незавершённой и даже
повреждённой самим Микеланджело. Он работал над ней, забыв обо всём, но,
закончив работу, обнаружил, что не сделал вторую ногу Христа. Недовольный
скульптурой, Микеланджело, ударом молотка разбил руку Христа.
В произведениях такого рода заключён магический флюид
совершенной красоты, который, подобно магниту, будет всегда притягивать к
себе благодарного зрителя.
Не правда ли – примерам нет конца
Тому, как образ, в камне воплощённый,
Пленяет взор потомка восхищённый
И замыслом, и почерком резца?
Творенье может пережить творца:
Творец уйдёт, природой побеждённый,
Однако образ, им запечатлённый,
Веками будет согревать сердца…
Микеланджело
Рафаэль Санти «Афинская школа»
С творчеством Рафаэля (1483-1520) в истории мирового
искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии.
Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в
котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеланджело – мощь, именно
Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или иной степени
каждый из них обладал всеми этими качествами.
Рафаэль проявил себя не только как знаменитый художник, но и
как талантливый архитектор.
Талант Рафаэля как непревзойдённого декоратора и мастера
композиции проявился во всём своём блеске в росписях личных комнат Римского
Папы в Ватиканском дворце. В трёх прямоугольных помещениях с полукруглым
завершением стен каждая стена украсилась большой многоцветной фреской.
Одна из фресок называется «Афинская школа». Эта она призвана
представить историю философской мысли, начинающейся с Аристотеля и Платона.
При всём обилии и разнообразности образов фреска выражает идеальное согласие
между различными философскими течениями в ходе исторического процесса. Все
фигуры помещены в центре монументального архитектурного сооружения,
напоминающего одновременно и античную базилику и проект нового собора
Святого Петра. В центре изображены фигуры философов – старца Платона (с
обликом Леонардо да Винчи) и темноволосого, кудрявого Аристотеля. Слева,
внизу у лестницы, Пифагор, окружённый учениками, читает книгу, справа, в
группе астрономов и математиков, Евклид (возможно портрет архитектора
Браманте) чертит по грифельной доске. Погружён в глубокую задумчивость
Гераклит Эфесский (предполагаемое изображение Микеланджело). Неподалёку от
Платона Сократ беседует со слушателями, а на ступенях полулежит основатель
философской школы киников Диоген. У правого края фрески Рафаэль изобразил
самого себя и живописца Антонио Соболлу, который до него начал работать в
станце.
Жан Гужон «Фонтан невинных»
Итальянское Возрождение оказало большое влияние на искусство
других стран Европы. Так, знаменитый французский архитектор и скульптор Жан
Гужон создал в Париже одно из самых совершенных своих произведений «Фонтан
невинных»
Фонтан украшали рельефы и изображениями нимф и наяд, тритонов
и других мифических существ. Нимфы и наяды Гужона – словно живое воплощение
водной стихии, принимающей в них человеческий облик. Складки их лёгких
одеяний струятся подобно льющейся воде. В этой работе он прекрасно воплотил
совершенные образы греческих скульптур.
Мавзолей Тадж-Махал
Культура Индии в XVI веке также переживала эпоху Возрождения.
Это было при императоре Акбаре. Акбар был из династии Великих Моголов
завоевавших Индию и принесших туда религию ислам. Император и воин, он
оказал огромное влияние на культуру своей страны. Он жил в век религиозной
нетерпимости, которая разделяла страны и народы, разрушала культуру и
превращала людей в ограниченных обезумевших фанатиков. Лишь немногие
выдающиеся умы находили в себе смелость и духовные силы противостоять этой
разъедающей человечество болезни. На огромной территории своей страны Акбар
проводил политику религиозной терпимости, которая противоречила самому
духу того времени. Восстанавливалась древняя индусская традиционная
культура. Формировалась новая мусульманская. Происходил своеобразный синтез
двух культур: индийской и мусульманской. И этот синтез захватил многие
области искусства и творческой деятельности: архитектуру, литературу,
музыку, живопись, танцы, обряды, праздники и даже нормы поведения.
Одним из ярких примеров такого синтеза является мавзолей
Тадж-Махал. Далеко от всякого другого здания, окружённый прелестнейшим
садом, Тадж-Махал стоит один в своей невыразимой красоте на берегу голубой
реки Джумны, отражающей его чистый горделивый облик. Это здание до такой
степени совершенно в своих архитектурных размерах, очаровательно и
законченно в исполнении малейших деталей и вместе с тем величественно в
своей простоте, что не знаешь, чему более удивляться – плану ли, работе или
материалу!
У каждой постройки, храма или даже развалины в Индии
существует своя легенда или история. Так, и у Тадж-Махала есть своя история.
У шаха Джахана была красавица жена. Они любили друг друга и были неразлучны
– даже в походах она следовала за ним. Звали её Арджуманд Бану. Также она
была известна, как Мумтаз-Махал («Избранная дворцом»). В 1629 году (36 лет)
она умирает, родив шаху 14-го ребёнка. Шах Джахан был неутешен, за несколько
дней его борода стала белой. И тогда он решил построить в память о своей
обожаемой супруге гробницу, какой ещё не видел мир. И это ему удалось.
Местные жители рассказывают легенду, будто неутешный
хан был вознесён во время сна неким святым человеком в райскую обитель, где
сам Аллах повелел архангелу Гавриилу снять для него план одной из своих
обителей (рая). По этому плану и был выстроен Тадж-Махал над телом обожаемой
супругом Мумтазы.
Расположение всего комплекса Тадж-Махала (ворота, сады,
каналы, бассейн и сам Тадж-Махал) совпадает с описанием рая в священной
книге мусульман Коране. В сады Тадж-Махала входят через большие ворота, на
которых есть надпись из Корана. И последняя надпись – это слова Аллаха:
«Войди в мой рай». Эти слова, «Войди в мой рай», звучат в головах людей,
когда они проходят через портал и входят сад, они придают особое значение
Тадж-Махалу. Это действительно рай, рай на земле. Четыре канала, как четыре
райских реки, квадратный бассейн в центре подобен «водоёму изобилия» в раю.
И в конце Тадж-Махал – он находится как раз в том месте, где по описанию рая
располагается «трон Господень» поддерживаемый четырьмя ангелами. Таким
образом, Тадж-Махал – копия небесного трона Господа.
Никогда ранее или позднее ни один мужчина не строил ничего
подобного для своей жены.
В строительстве Тадж-Махала был использован самый дорогой
белый мрамор, перламутр, драгоценные камни, такие, как яшма, агат, изумруд,
аквамарин, жемчуг и сотни других камней. Стены до того отшлифованы, что они
отражают на своей блестящей поверхности неуловимые тени небес и зелени. Под
стрельчатою аркой над широким портиком извиваются затейливые, сквозные,
словно окаменелое кружево, украшения из того же материала, представляющие
цветы, фрукты и арабески. А над карнизом купола и вдоль боковых стен тянутся
узким бордюром изречения из Корана огромными золотыми буквами. Надпись
играет важную роль в исламском искусстве, особенно в религиозном и в
погребальных монументах. Хотя в Коране нет прямого запрета на изображения
животных и человека и говорится только о том, что опасно изображать живых
существ, но последователи ислама запрещают использовать рисунки на
монументах. По этой причине картины и фрески, которые обычно находятся в
христианских храмах, заменены на религиозные тексты. Из-под портика вход
прямо в гробницу. Те же ослепительной белизны стены с панелями, покрытые
мозаикой – гирлянды прелестнейших цветов из драгоценных камней. Всё это
выложено по белому мрамору восточной мозаикой Индии, т.е. кусками такой
величины и формы, что они не портят цельности драгоценного камня. Каждый
листик, каждый лепесток – отдельный изумруд, яхонт, жемчужина или топаз.
Благодаря этому удивительному по красоте зданию, сквозь года,
удивительная романтическая история Тадж-Махала о любви дошла и до нас.
Конечно, строительство этого мавзолея потребовало огромных затрат и
человеческих усилий, но всё это оправдывает себя. Ежедневно Тадж-Махал
посещают 200 тысяч человек. Его красота вызывает в людях радость, восторг,
поднимает их над обыденностью и устремляет в прекрасному.
Отрывок из стихотворения Р.Тагора «Шах Джахан»:
Нет, нет
Досуга для печали.
Вся жизнь твоя – короткий миг.
И сетью оплело молчанье
Твои рыданья, стоны, крик.
Но лунной ночью, в белом храме
Назвал ты с горькими слезами
Любимой имя. Этот зов
Звенит ещё в ушах веков.
Любви тоскующая нежность
Раскрылась в красоте цветов,
И мраморная белоснежность
Навек таит её без слов.
О, шах Джахан, какое волшебство –
Ты создал слепок сердца своего!
…
На берегу, безмолвием воспетом,
Где белый мрамор излучает свет-
Посланец твой, сквозь сотни лет,
Несёт любви неугасимый пыл:
Любимая, я не забыл!
Эрмитаж. Главная (Иорданская) лестница
Мы с вами прикоснулись к культуре Древнего Египта, Др.
Греции, Др. Рима, а также к культуре Средних веков и эпохи Возрождения и
увидели, что нравственные идеалы остаются прежними – они лишь облекаются в
новую форму. Мы можем говорить о том, что достижения одной страны, как в
науке, так и в искусстве становятся достоянием всего мира и служат базой или
основой для дальнейшего развития. В последующие века, после эпохи
Возрождения, люди постоянно возвращаются к идеалам прошлого, добавляя к ним
что-то новое.
Давайте посмотрим на главную лестницу Эрмитажа в
Санкт-Петербурге. Парадный вход в Эрмитаж выполнен в стиле барокко, который
вобрал в себя достижения прошлых веков с добавлением новых элементов. Здесь
используются колонны в греческом стиле, скульптуры эпохи Древнего Рима,
потолок украшен росписями в стиле эпохи Возрождения. Стилю барокко присуща
пышность, парадность, обилие золота, что мы и видим в этом интерьере.
Адмиралтейство в Петербурге
Адмиралтейство в Петербурге ещё один исторический памятник
XIX века выполненный в стиле классицизма, в основе которого лежит
архитектура античного мира.
Наследие античного мира можно увидеть и в нашем городе. Это
Драматический театр. Его украшают колонны как в древнегреческих храмах,
треугольный фронтон, а также скульптура музы Мельпомены покровительницы
театра.
Наиболее близка нам с вами культура конца XIX и XX века,
когда жизнь и сознание людей были пронизаны поисками новой истины,
поиском смысла жизни, устремлением к другим невидимым глазу мирам. Этот
поиск нашёл отражение в литературе, живописи и музыке рубежа XIX
и XX веков и получил название «Серебряного века».
Ярким примером поиска нового является творчество художников
Чюрлёниса и Врубеля.
Чурлёнис «Короли. Сказка»
Перед нами король и королева. Они держат в руках маленький
мир, который они создали. Этот мир окружён ярким сиянием. Король и королева
изображены на фоне тёмных, высоких деревьев, на ветвях которых раскинулись
целые селения. Среди ветвей движутся маленькие как муравьи человеческие
фигурки. Каждое дерево – словно отдельная планета в бесконечной Вселенной. А
король и королева выступают в роли создателей. Художник раскрыл перед нами
целую картину мироздания, в которой кроме Земли существуют и иные миры
(другие планеты, на которых тоже есть жизнь)
Врубель. «Жемчужина»
Врубель также находился в поисках невидимого и таинственно
мира. И отблески этого мира он находил в обычных вещах.
Так, морская раковина с жемчужиной представлялась ему
волшебной пещерой полной чудес. В перламутровых переливах раковины художник
увидел как бы сконцентрированным разлитое в природе волшебство. Работая над
картиной, стараясь передать нежнейшие переливы и мерцание перламутра, он
увидел морских царевен плавающих в раковине и запечатлел их на картине.
XX век внёс кардинальные изменения в жизнь людей всего мира.
Были сделаны грандиозные открытия в науке и технике. Цивилизация достигла
своей наивысшей точки, но произошёл полный отрыв от культуры. Появилось
такое понятие как «цивилизованный дикарь».
«Цивилизованный дикарь» - это человек, живущий в
цивилизованном обществе, но потерявший нравственные ориентиры, которые как
мы с вами видели, играли важную роль в жизни человека ещё в Др. Египте.
Николай Константинович Рерих уже в начале XX века предвидел
кризис современной цивилизации, её полный отрыв от культуры. И уже тогда он
начал действовать. В 1914 году во время первой мировой войны, когда наша
страна воевала с Германией, Николай Константинович обратился к царю Николаю
II с просьбой, (о защите культурных памятников во время войны) чтобы воюющие
страны не разрушали памятники культуры. Царь принял эту идею благосклонно,
но до практических действий дело не дошло. Позже, путешествуя по странам
Востока и Запада, Николай Константинович видел, что и в мирное время
памятники культуры нуждаются в защите. И тогда, поскольку он был не только
художником, но и юристом, он написал проект международного документа по
охране культурных ценностей всего мира. Этот проект широко обсуждался и был
принят в США двадцать одной страной и подписан 15 апреля 1935 года в
присутствии президента США Рузвельта. При подписании пакта Рузвельт сказал,
что этот документ в будущем поможет сохранить цивилизацию от гибели. Наша
страна приняла этот документ после Второй мировой войны в 1954 году.
Николай Рерих «Камни»
Николай Рерих «Конь счастья»
Храм в Бельгии
Вместе с документом Николай Константинович Рерих предложил
отличительный знак, который он назвал Знаменем Мира. Знамя Мира представляет
собой белое полотнище, на котором изображены три амарантовые сферы в
окружности. Этот знак Николай Константинович не придумал, он видел его в
произведениях искусства разных стран. Он встречал его на камнях Монголии, в
горах Гималаев, на картинах старинных мастеров, например, нидерландского
художника Ганса Мемлинга «Поклонение Христу», на фасадах католических
церквей, на православных иконах и фресках, а также на буддийских храмах.
Трактовался этот знак у разных народов по-своему: у христиан – это символ
Троицы, у буддистов – настоящее, прошлое, будущее.
Давайте и мы с вами попробуем растолковать этот знак. Мы
живём в настоящем, но пользуемся достижениями прошлого: слушаем музыку
старинных композиторов, любуемся картинами, написанными много веков назад,
читаем книги, которым сотни лет. Живя в настоящем, на базе познанного нами
прошлого, мы создаём будущее. Таким образом, настоящее, прошлое и будущее,
тесно связаны между собой.
По замыслу Николая Рериха Знамя Мира должно развиваться над
всеми учреждениями культуры и защищать их от разрушений в военное время, а в
мирное время напоминать людям о значимости культурных ценностей.
Николай Рерих «Мадонна Защитница»
Завершает нашу выставку репродукция с картины Н. К. Рериха
«Мадонна Защитница». Мадонна своим плащом, скреплённым фибулой в виде
Знамени Мира закрывает памятники культуры всего мира.
В своей статье о Знамени Мира Николай Константинович Рерих
писал: «Повелительно принять немедленные меры, чтобы оградить от опасности
благородное наследие Прошлого для славного Будущего. Это произойдёт тогда,
когда все страны торжественно поклянутся охранять сокровища Культуры,
которые, в сущности, принадлежат не одному народу, но миру. Этим путём мы
можем создать ещё одно приближение к расцвету Культуры и Мира».
Действительно этот документ актуален и в наше время. Не так
давно, во время конфликта в Косово (Югославия) между сербами и албанцами,
были разрушены древние храмы и монастыри, в которых находились очень ценные
фрески и иконы. На бомбах, которые были сброшены на Белград и на
православные храмы, была надпись: «Поздравляем с Пасхой!»
Ещё один случай варварского отношения к памятникам прошлого,
которые являются достоянием всего мира. Талибы, пришедшие к власти в
Афганистане, разрушили статуи Будды, которым тысячи лет.
И всё это происходит в наши дни, когда мы говорим о каких-то
достижениях цивилизации. В этих событиях проявился религиозный фанатизм и
невежество людей, иными словами - безкультурие.
Каждому мыслящему человеку должно быть ясно, что без культуры
погибнет цивилизация..
|
